Rever: Tal como éramos

Si hace pocos días os proponía rever otra gran película de Sydney Pollack, Los tres días del Cóndor, con Robert Redford, hoy os propongo una anterior, Tal como éramos, The Way We Were del mismo director y con el mismo protagonista. Y es que hemos de aprovechar que Redford cumpliría este 2026 nada menos que 90 años y el día de hoy se cumple el primer aniversario de su fallecimiento.

Antes de firmar obras maestras de la talla de Memorias de África o la mencionada cinta de espionaje, Pollack reunió a Robert Redford y a una arrolladora Barbra Streisand en esta pasional, amarga y desgarradora historia de amor y madurez.

‘Mr. Mainstream’, como al propio director le gustaba definirse, siempre se caracterizó por hablar un lenguaje cinematográfico absolutamente claro y diáfano. Los espectadores y las numerosas estrellas a las que dirigió a lo largo de más de 40 años de trabajo así pueden testificarlo. Una de ellas, Robert Redford, fue uno de sus mejores amigos: rodó siete películas a su lado y juntos fundaron el célebre Festival de Sundance.

En Tal como éramos (The Way We Were, 1973), Pollack nunca propuso un romance convencional. El contraste físico e ideológico entre la pareja protagonista fue tan explosivo como eficaz, y la química que se estableció entre Redford y Streisand traspasó la pantalla fulminantemente. Porque el amor es un complejísimo chispazo que siempre se produce en el momento más inesperado con la persona más imprevisible. Vemos cómo un hombre y una mujer luchan por salvar obstáculos, por vencer prejuicios o por enarbolar nuevas esperanzas.

La trama de la película se despliega en una lograda estructura en tres tiempos: los años 30 en la universidad, los convulsos 40 con el reencuentro en plena Segunda Guerra Mundial y el esplendor de Hollywood, y finalmente los años 60 en Nueva York.

Más allá del melodrama, el gran pilar de la película es la militancia política incansable de Katie Morosky (Barbra Streisand) y las amargas controversias de una época convulsa. La película aborda de frente la nefasta "caza de brujas" del macartismo en Hollywood, las listas negras y la persecución de la disidencia ideológica. Mientras Katie palpa sus emociones desde la coherencia y el compromiso infranqueable con sus ideas, Hubbell Gardiner (Robert Redford) representa a ese perfil más distante, el genio talentoso pero cómodo que termina cediendo a lo que se espera de él, claudicando y renunciando al compromiso político a cambio de no arruinar su carrera como guionista en la industria.

Nos recuerda cómo el sistema empuja muchas veces al individuo a la autocensura o al conformismo, mientras que mantenerse firme en los principios conlleva una inevitable marginación. La historia se convierte así en un texto recomendable donde la ideología desplaza al simple gusto y el drama político sobrepasa al romance tradicional.

En su estreno, la película generó pasiones enfrentadas entre la crítica de la época. El emotivo final con el tema principal interpretado por la propia Barbra Streisand, que suena a lo largo de la cinta varias veces es conmovedor, pero al mismo tiempo no convence ese tipo de amor que dura hasta la muerte, pero que no puede tener un final feliz porque no está hecho para la convivencia no parece muy realista, aunque un triste final siempre resulta tremendamente eficaz en términos lacrimógenos.

Interpretación completa: https://youtu.be/_K2_Kl36IEA

Ultima escena: https://youtu.be/IQheWL99XEE

Producida con un presupuesto de 15 millones de dólares, la película fue un auténtico fenómeno comercial, recaudando cerca de 50 millones de dólares en la taquilla estadounidense.

En los Premios Óscar (1973), cosechó 6 nominaciones y se alzó con dos estatuillas cinematográficas decisivas:

Óscar a la Mejor Banda Sonora Original (Marvin Hamlisch)

Óscar a la Mejor Canción Original ("The Way We Were", de Marvin Hamlisch, Marilyn Bergman y Alan Bergman, interpretada por Barbra Streisand)

Nominación a la Mejor Actriz (Barbra Streisand)

Nominación a la Mejor Dirección de Fotografía (Harry Stradling Jr.)

Nominación a la Mejor Dirección Artística (Stephen B. Grimes y William Kiernan)

Nominación al Mejor Vestuario (Dorothy Jeakins y Moss Mabry)

Además, obtuvo el Globo de Oro a la Mejor Canción Original (junto a la nominación de Streisand como mejor actriz) y una nominación en los premios BAFTA a la mejor actriz.

Sinopsis:

Hubbell Gardiner y Katie Morosky son dos estudiantes universitarios con caracteres e ideologías diametralmente opuestas. Hubbell es un atractivo atleta, con clase, un gran conquistador y amante de la buena vida con talento para la escritura. Katie es una militante marxista con una decidida vocación política, combativa e intransigente con sus ideales. Años después de su etapa académica, sus caminos se cruzan en Nueva York durante la Segunda Guerra Mundial. A pesar de sus insalvables diferencias, se enamoran y se casan. Sin embargo, cuando se trasladan a Hollywood para impulsar la carrera de Hubbell como guionista, el asfixiante ambiente de la "caza de brujas" anticomunista y las cesiones éticas de él pondrán a prueba su matrimonio hasta límites insostenibles.

Dirección: Sydney Pollack

Reparto: Barbra Streisand, Robert Redford, Bradford Dillman, Lois Chiles, Patrick O'Neal, Viveca Lindfors, Allyn Ann McLerie, Herb Edelman

Guion: Arthur Laurents (basado en su propia novela)

Fotografía: Harry Stradling Jr.

Montaje: Margaret Booth

Música: Marvin Hamlisch

Podéis verla en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/tal-como-eramos

Rever: Paseando a Miss Daisy

Propongo rever Paseando a Miss Daisy, Driving Miss Daisy, 1989, una joya cinematográfica que, más allá de ser un entrañable relato de amistad a lo largo de un cuarto de siglo, se erige como un sutil e imprescindible espejo sociocultural. Dirigida por Bruce Beresford y basada en la aclamada obra teatral de Alfred Uhry, esta cinta nos invita a reflexionar sobre la dignidad en el ocaso de la vida, el valor de la tolerancia frente a los prejuicios y las inercias de una sociedad dominada por la segregación y el conservadurismo.

Maravilloso drama, de hondos sentimientos que se demuestran con suavidad y honestidad. Paseando a Miss Daisy es una obra sencilla pero infinitamente conmovedora. Las interpretaciones de la pareja protagonista son soberbias: Jessica Tandy ofrece un retrato memorable como Miss Daisy, encarnando con obstinada terquedad e incredulidad el paso inexorable del tiempo y los temores de la vejez; por su parte, Morgan Freeman deslumbra en otra actuación magistral, repleta de paciencia, dignidad, calidez y sabiduría popular. Asimismo, destaca un sorprendente Dan Aykroyd, en uno de los papeles dramáticos más sólidos de su carrera. La dirección de Beresford destaca por eludir el efectismo y la demagogia, construyendo una atmósfera donde la cotidianidad de vidas sencillas se convierte en poesía pura.

Aunque ambientada en la Georgia (Estados Unidos) de mediados del siglo pasado (un contexto sociohistórico marcado por la segregación racial y las tensiones contra las minorías judías y afroamericanas), la película adquiere un valor profético que conecta directamente con los debates y problemáticas contemporáneas.

Uno de los grandes aciertos de la cinta es cómo retrata el contexto histórico de la época a través del trasfondo de violencia e intolerancia. La película no elude acontecimientos verdaderos desgarradores, como el atentado con bomba contra la sinagoga de Atlanta (The Temple) o la constante sombra amenazante de los atentados del Ku Klux Klan. Cuando la sinagoga de Miss Daisy sufre el ataque con dinamita, la anciana reacciona con estupor e incredulidad, mientras Hoke, con triste resignación, le recuerda la cruda realidad del odio racial y religioso en el Sur ("Usted sabe tan bien como yo quiénes han sido"). Este paralelismo entre la discriminación que sufren tanto la comunidad negra como la judía sirve hoy como un poderoso recordatorio frente a los brotes contemporáneos de racismo, antisemitismo y discursos de odio.

https://youtu.be/euT1j7FUeHY?si=c-bKSr-v1pZ_GXWx

Otra de las escenas y más brillantes y reveladoras de toda la película es en la que Hoke (Morgan Freeman) le solicita un aumento de sueldo a Boolie (Dan Aykroyd), tras revelarle con picardía que la competencia le ha hecho una oferta tentadora.

Hoke no pide el aumento desde la suplica o el victimismo, sino desde el reconocimiento de su propio valor. En una sociedad segregada que sistemáticamente invisibilizaba el trabajo de las personas de raza negra, Hoke demuestra una inteligencia estratégica impecable. Sabe que se ha vuelto indispensable para la familia y utiliza las reglas del propio juego capitalista (la ley de la oferta y la demanda) a su favor.

Al soltar la frase de que "se siente uno bien cuando se lo rifan" ("It feels good to be wanted"), Hoke reivindica algo que va mucho más allá del dinero: la validación profesional y el orgullo personal. Tras décadas de trato servil en el Sur, experimentar por primera vez que su trabajo es codiciado y valorado por diferentes empleadores le devuelve una profunda cota de dignidad.

Esta secuencia refleja a la perfección la ironía de las clases acomodadas de la época. Boolie aprecia sinceramente a Hoke y sabe lo difícil que es bregar con el carácter de su madre, pero como empresario y burgués, no le aumentará el sueldo de forma espontánea hasta que no ve amenazada su propia comodidad.

Hoke comprende esta dinámica a la perfección y no siente culpa al presionar a Boolie. Con una sonrisa serena y educada pero firme, le demuestra a su patrón que, aunque sea un sirviente en apariencia, él es el dueño de su tiempo y de su trabajo.

https://youtu.be/nMZKkyDTc2Q?si=UInJwg2PYjkyfpDh

Especial atención merece la dimensión pedagógica e intergeneracional de la cinta. A lo largo de los años, vemos cómo Miss Daisy, antigua maestra de escuela, enseña a leer a un Hoke ya adulto con infinita paciencia. Ese acto de generosidad y educación germina de la forma más bella en el tramo final de la película: cuando Boolie le pregunta a un anciano Hoke cómo ha logrado llegar hasta allí, el chófer le revela con orgullo que lo ha traído su nieta, quien actualmente es profesora en el Spelman College (una emblemática universidad históricamente negra).

Esta revelación, de una sutileza arrolladora, funciona como una magistral alegoría del cambio social y el avance de los derechos civiles: En dos generaciones, la familia de Hoke pasa de la analfabetización forzada y la sumisión servil de los años 40 a ostentar la cúspide de la docencia universitaria y la independencia profesional en los años 70. - El círculo se cierra con una emotiva justicia poética: la anciana profesora judía que enseñó a leer al abuelo ve, de forma indirecta, cómo ese legado del saber ha convertido a la nieta de este en una referente académica para las nuevas generaciones de mujeres negras.

Excelente maquillaje y caracterización: Uno de los logros más deslumbrantes de la producción fue su equipo de maquillaje y peluquería. Gracias a un trabajo excepcional, la evolución física de los múltiples personajes a lo largo de más de 20 años está increíblemente lograda, mostrando de forma natural, realista y digna el envejecimiento orgánico de los protagonistas sin caer jamás en la caricatura.

El paso del tiempo en los detalles cotidianos: La temporalidad y el discurrir de los años están magistralmente expresados sin necesidad de intertítulos intrusivos. La película utiliza refinados elementos de dirección de arte: el cambio en los modelos de los coches (del clásico Hudson Commodore a los majestuosos Cadillac de distintas épocas), las tarjetas de Navidad que se intercambian, los calendarios en las paredes y la evolución de la publicidad comercial e industrial que adorna los escenarios.

La película se rodó principalmente en diversas localizaciones de Georgia, incluyendo Atlanta y la histórica zona de Druid Hills, retratando el tránsito de la sociedad sureña desde los años 40 hasta principios de los 70.

Premios Oscar (1989): Obtuvo 9 nominaciones en total, convirtiéndose en una de las grandes triunfadoras de la 62.ª edición de los Oscar con:

Cuatro estatuillas: Mejor Película, Mejor Actriz Principal (Jessica Tandy, quien a sus 80 años se convirtió en la intérprete de mayor edad en ganar la estatuilla), Mejor Guion Adaptado (Alfred Uhry) y Mejor Maquillaje (Manlio Rocchetti, Lynn Barber y Kevin Haney.)

Cinco nominaciones: Mejor Actor Principal (Morgan Freeman), Mejor Actor de Reparto (Dan Aykro, yd), Mejor Dirección Artística / Diseño de ProducciónMejor Diseño de Vestuario y Mejor Montaje

Globos de Oro (1989): Ganadora de 3 premios (Mejor Película Comedia/Musical, Mejor Actor y Mejor Actriz).

Festival de Berlín: Reconocimiento con el Oso de Plata a la mejor actuación conjunta para Jessica Tandy y Morgan Freeman.

Sinopsis:

Miss Daisy (Jessica Tandy), una antipática profesora jubilada de 72 años y viuda judía de buena posición económica, sufre un percance al volante. Temiendo un accidente grave o el caos circulatorio, su hijo Boolie (Dan Aykroyd) decide contratar a Hoke Colburn (Morgan Freeman), un chófer afroamericano de carácter tranquilo y bonachón. Al principio, la anciana se resiste a aceptar la ayuda de Hoke por no sentirse inútil. Sin embargo, con paciencia, educación y humanidad, Hoke irá venciendo las barreras iniciales hasta forjar una incondicional amistad de 25 años.

Dirección: Bruce Beresford

Reparto: Jessica Tandy, Morgan Freeman, Dan Aykroyd, Patti LuPone, Esther Rolle.

Guion: Alfred Uhry (basado en su propia obra de teatro)

Fotografía: Peter James

Montaje: Mark Warner

Música: Hans Zimmer

Presupuesto: 7,5 M$ | Recaudación: 145, 8 M$

La película puede verse en:

Movistar Plus+, FlixOlé y en plataformas como Apple TV, Prime Video y Google TV.

Curiosidades

Recorriendo el barrio me he dado cuenta de la cantidad de persianas que están pintadas con una belleza muy particular, increíbles grafiteros con sus pinturas y sus espráis pueden ser contratados para decorarlas.

Rever: Los tres días del Cóndor

Proponemos rever Los tres días del Cóndor, Three Days of the Condor, (1975), un thriller de paranoia política tan helador como profético, cuya vigencia resuena hoy con más fuerza que nunca.

Desde el primer minuto, Sydney Pollack nos sumerge en un clima insoportable de suspense y asfixia. La cámara convierte a Nueva York en un escenario gris, gélido y hostil donde nadie está a salvo. Robert Redford firma una actuación soberbia como Joe Turner ("Cóndor"), encarnando con maestría el paso del intelectual desapegado al hombre acorralado que debe recurrir a su puro instinto de supervivencia.

La película capturó de lleno la profunda intranquilidad social tras el escándalo Watergate de 1973. Pollack puso rostro a la paranoia colectiva y a la creciente desconfianza hacia las instituciones, destapando lo que hoy denominamos abiertamente las "cloacas del Estado": estructuras paralelas de poder que actúan al margen de la ley bajo el pretexto de la seguridad nacional.

En la cinta emergen planos del exterior e interior de las tristemente famosas Torres Gemelas, presentadas como la sede neoyorquina de la CIA. La desgarradora coincidencia con los atentados del 11 de septiembre de 2001 carga hoy esas imágenes de una extraña resignificación: los edificios no solo representaban el poder hegemónico e imperial estadounidense, sino también la vulnerabilidad de un sistema expuesto a sus propias sombras geopolíticas.

El inolvidable diálogo final resulta desgarradoramente premonitorio:

"Have you ever thought what happens when we run out of oil? ... How do you know they'll print it?"

¿Alguna vez has pensado qué pasará cuando nos quedemos sin petróleo? ¿Cómo sabes que lo publicarán? Es la justificación geopolítica y fría que da el alto cargo de la CIA sobre las intervenciones del Estado para asegurar recursos vitales.

¿Cómo sabes que lo imprimirán/publicarán? Es la frase final con la que la CIA siembra la duda sobre si la prensa independiente (The New York Times) realmente se atreverá a desafiar al poder o si acabará cediendo al control institucional.

La duda que plantea la escena, la prensa publicará la filtración o si cederá a la presión del poder, dialoga directamente con nuestra era digital. Si en los 70 el dilema era la censura o sumisión de los grandes diarios ante el Estado, hoy esa mordaza se ha trasladado a la informática, las redes sociales y los algoritmos gestionados por los nuevos magnates tecnológicos.

La producción contó con un rodaje itinerante por localizaciones neoyorquinas reales como Brooklyn, la Estación Central y el World Trade Center. El guion de Lorenzo Semple Jr. y David Rayfiel tuvo que maniobrar sutilmente para sortear las trabas administrativas de la época al retratar las operaciones encubiertas de la inteligencia estadounidense.

La película obtuvo una nominación al Oscar al Mejor Montaje (Fredric Steinkamp y Sepp Steinkamp) y la medalla del Cartagena Film Festival a Mejor Actor para Redford, además del reconocimiento unánime de la crítica internacional como cumbre del cine político de los setenta.

Dirección: Sydney Pollack

Guion: Lorenzo Semple Jr., David Rayfiel (Basado en la novela de James Grady).

Fotografía: Owen Roizman

Montaje: Fredric Steinkamp, Sepp Steinkamp

Música: Dave Grusin

Reparto: Robert Redford como Joe Turner, “Cóndor” (Analista de la CIA), Faye Dunaway como Kathy Hale (Fotógrafa involucrada en la huida), Cliff Robertson como J. Higgins (Subdirector de la CIA en Nueva York), Max von Sydow como Joubert (Asesino a sueldo profesional), John Houseman como Mr. Wabash (Veterano directivo de la CIA), Addison Powell como Leonard Atwood (Subdirector adjunto de la CIA), Walter McGinn como Sam Barber (Amigo y compañero de Turner en la CIA), , Tina Chen como Janice Chon (Compañera de Turner en la oficina), Michael Kane como S.W. Wicks (Jefe directo de Turner), Don McHenry como Dr. Lappen (Médico de la CIA), Carlin Glynn como Mae Barber (Esposa de Sam Barber), Hank Garrett como El cartero “asesino” (Agente que ataca a Turner en el apartamento).

Sinopsis: 

Joe Turner es un analista de la CIA dedicado a leer novelas para detectar mensajes codificados. Su rutina se quiebra violentamente cuando regresa a la oficina y encuentra a todos sus compañeros ejecutados. Solo y sin saber en quién confiar, emprende una huida desesperada para desenmascarar una red de corrupción dentro de su propia organización.

Disponible actualmente bajo suscripción en Movistar Plus+ y Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/los-tres-dias-del-condor

Rever: Bagdad Café

Os propongo rever Bagdad Café (Out of Rosenheim, 1987), una obra imprescindible dirigida por el cineasta alemán Percy Adlon, Un oasis de empatía y sororidad en el desierto del aislamiento contemporáneo. La película bien podría esperar a que la colocara en Se estreno hace 40 años, pues a finales de 2028 se cumplirá esa efeméride. En un panorama audiovisual hiperacelerado, volver a este rincón polvoriento del desierto de Mojave no solo es un ejercicio de nostalgia cinéfila, sino una imperiosa necesidad ética. La película se mantiene fresca, vibrante y profética, alzándose como un refugio poético frente al desamor, la soledad transatlántica y la rigidez de las fronteras físicas y culturales.

La magia del director Percy Adlon reside en haber filmado un maravilloso drama en clave de comedia sensible, huyendo del cinismo para abrazar una calidez transformadora. La química que se genera en pantalla entre Marianne Sägebrecht (Jasmin Münchgstettner) y CCH Pounder (Brenda) es sencillamente magistral.

Jasmín, una turista bávara de porte encorsetado y sombrero con pluma, desciende del coche tras una agria disputa marital y camina sola sin más equipaje que su maleta por la inmensidad de la Ruta 66. En el polo opuesto está Brenda, una mujer negra desgastada por la precariedad financiera, el abandono de su esposo y la ininterrumpida carga de regentar un decadente motel, cafetería y gasolinera de camioneros. El encuentro inicial es áspero, marcado por la sospecha mutua y el choque cultural más absoluto.

Apoyado en la icónica y cálida fotografía de Bernd Heinl con una composición visual hipnótica, la dirección de Adlon nos convertirá la rutina diaria en un escenario de sanación colectiva. Completa este singular retablo el siempre carismático Jack Palance como Rudi Coxx, un excéntrico exescenógrafo de Hollywood enamorado de la belleza poco convencional de Jasmín, junto a un abanico de secundarios inolvidables (la tatuadora Debby, el joven Salomo tocando a Bach al piano y el pausado camarero nativo americano Cahuenga).

Al rever Bagdad Café con los ojos del presente, podemos ver algunas de las problemáticas que hoy asfixian nuestras sociedades. El motel aislado de Brenda no es solo una localización desértica; es la alegoría perfecta de la desarticulación social, la precariedad estructural y el aislamiento urbano y migratorio.

Jasmín representa al migrante desubicado, al cuerpo extraño que irrumpe en un territorio exhausto por la especulación del capitalismo de carretera y la falta de oportunidades. Frente a la paranoia moderna ante el "diferente", la película propone la sororidad y el trabajo comunitario como antídoto. La cafetería, que arranca como un espacio hostil e insalubre, se transforma gradualmente mediante trucos de magia casera, limpieza compartida y espectáculos improvisados en un centro de reunión donde camioneros, marginados y nómadas encuentran refugio.

«A veces, en medio del desierto más árido de la precariedad y el olvido, basta el encuentro de dos mujeres heridas para edificar una comunidad donde antes solo había polvo y desconfianza.»

En una era marcada por la gentrificación y la desintegración de la vida comunitaria, la lección de Bagdad Café es de una vigencia aplastante: la verdadera utopía no requiere grandes infraestructuras, sino la disposición a mirar al otro sin prejuicios.

Me gustó tanto la inolvidable banda sonora de la película en su momento que no dudé en comprarme el álbum original. La hipnótica melodía de "Calling You", compuesta por Bob Telson e interpretada magistralmente por Jevetta Steele, se convirtió en la banda sonora de toda una etapa de mi vida. Hoy en día, mi hija se ha apoderado de aquel álbum y lo tiene en su casa, demostrando que las verdaderas joyas culturales no solo resisten el paso del tiempo, sino que pasan de generación en generación como un legado de sensibilidad compartido.

https://youtu.be/9xESWiYJzhs

El rodaje de Bagdad Café se llevó a cabo en la remota localidad de Newberry Springs, California, a lo largo de la emblemática Ruta 66. El local utilizado como escenario real —conocido originalmente como Sidewinder Cafe— se convirtió tras el éxito arrollador del film en un lugar de peregrinación internacional rebautizado oficialmente como Bagdad Café.

Percy Adlon y su esposa y coguionista Eleonore concibieron la historia con una libertad creativa absoluta, alejada de los grandes estudios de Hollywood. La producción alemana supo esquivar los clichés del cine comercial combinando actores de la escena europea con mitos del cine americano como Jack Palance, quien aceptó el papel cautivado por la delicadeza del guion. La película tuvo dos montajes internacionales: la versión estadounidense (95 minutos) y la versión alemana completa (108 minutos), la cual profundiza con mayor sutileza en la transformación de los personajes.

Dirección: Percy Adlon

Guion: Eleonore Adlon, Percy Adlon

Fotografía: Bernd Heinl

Montaje: Norbert Herzner

Música: Bob Telson (Canción principal: "Calling You")

Reparto: Marianne Sägebrecht (Jasmin), CCH Pounder (Brenda), Jack Palance (Rudi Coxx), Christine Kaufmann (Debby), Monica Calhoun (Phyllis), Darron Flagg (Salomo), George Aguilar (Cahuenga), G. Smokey Campbell (Sal), Hans Stadlbauer (Muenchgstettner), Alan S. Craig (Eric), Apesanahkwat (Sheriff Arnie), Ronald Lee Jarvis, Mark Daneri, Ray Young, Gary Lee Davis.

Sinopsis:

En medio del desierto de Mojave, tras una violenta discusión con su marido, la turista alemana Jasmin abandona el vehículo y camina desorientada hasta llegar al Bagdad Café, un destartalado motel de carretera. Allí choca con Brenda, la impulsiva dueña del local, agobiada por las deudas y sus problemas familiares. A pesar de los recelos iniciales y las barreras culturales, Jasmin empieza a integrarse en la rutina del lugar, atrayendo a una singular galería de parroquianos. Poco a poco, la magia, el afecto y la solidaridad transformarán aquel lúgubre rincón en un floreciente y caluroso oasis de amistad.

Premios Oscar (1989): Nominación a Mejor Canción Original (Bob Telson por "Calling You").

Premios César (1989): Ganadora a la Mejor Película Extranjera (Percy Adlon).

Premios del Cine Alemán (Deutscher Filmpreis 1988): Ganadora a la Mejor Película y Mejor Actriz (Marianne Sägebrecht).

Bavarian Film Award (1988): Ganadora a Mejor Guion (Eleonore & Percy Adlon).

Ernst Lubitsch Award (1988): Ganador Percy Adlon.

Premios Amanda (1989): Ganadora a la Mejor Película Extranjera.

Premios Guldbagge (1989): Ganadora a la Mejor Película Extranjera.

Artios Awards (1989): Ganadora al Mejor Casting para Película de Comedia (Al Onorato y Jerold Franks).

Podemos ver la película en streaming a través de Filmin:

https://www.filmin.es/pelicula/bagdad-cafe

Rever: Volver a empezar

Proponemos hoy en rever Volver a empezar, 1982, la obra cumbre de José Luis Garci que marcó un hito histórico e insustituible en la cinematografía española al alzarse con el primer premio Óscar a la mejor película extranjera de nuestra historia. Un abrazo de la memoria, el exilio y la dignidad de una generación interrumpida. Maravilloso drama, de una sensibilidad madura y conmovedora, este filme es tan áspero como necesario de revisar bajo la luz de nuestro tiempo. Tras pasar inicialmente por las salas entre la frialdad de la crítica local y las dudas del gran público, su redescubrimiento internacional reveló lo que verdaderamente es: una elegante elegía a la reconstrucción de la vida tras las desgarradoras heridas del exilio y la dictadura.

Dirección: José Luis Garci

Reparto: Antonio Ferrandis, Encarna Paso, José Bódalo, Agustín González, Pablo del Hoyo, Marta Fernández Muro, Pedro Ruiz (voz)

Guion: José Luis Garci, Ángel Llorente

Fotografía: Manuel Rojas (Medalla del CEC)

Montaje: Miguel González-Sinde

Música: Johann Pachelbel (Canon), Cole Porter (Begin the Beguine). Interpretaciones al piano: Jesús Glück

Se estreno hace 40 años

Como ya indiqué en las entradas de junio y julio, el verano de 1986 no fue muy interesante en cuanto a estrenos en España, con lo cual voy a poner en agosto un estreno de septiembre, concretamente del 15 de septiembre, se trata de El color púrpura de Steven Spielberg.

El color púrpura. The Color Purple, de Steven Spielberg 1985.

¿Quién no recuerda a una desgarradora Whoopi Goldberg haciendo el juego de palmas en el campo de flores o alzando la voz tras años de silencio? Que Spielberg dirigiese El color púrpura justo un año después de Indiana Jones y el templo maldito fue el inicio de su "entrada en el cine serio". Fue un auténtico golpe sobre la mesa: el cineasta se atrevía a narrar la historia de una mujer afroamericana a principios del siglo XX, víctima de abusos, violencia machista y marginada por una sociedad racista. Una rotunda declaración de intenciones que, aunque en EE. UU. los Óscar dejaron de vacío tras 11 nominaciones, el público encumbró como una obra de culto sobre la dignidad y la superación femenina.

Rever: La piel quemada

La película que os propongo hoy es La piel quemada, dirigida por Josep Maria Forn en 1967. Una obra indispensable para entender el cine social y el neorrealismo español, que retrata de forma transparente el éxodo rural en la España del desarrollismo y que, vista casi seis décadas después, se convierte en un espejo incómodo sobre las fricciones territoriales y los flujos migratorios de nuestro presente.

Maravilloso drama de corte post-neorrealista, duro, áspero y profundamente reflexivo. La cinta impresiona por su capacidad para conectar épocas: si cambiamos a los campesinos andaluces por los migrantes que llegan hoy a nuestras costas, la radiografía sobre la precariedad y el desarraigo es casi idéntica. Pero donde el film resulta verdaderamente profético y audaz para su tiempo es en el retrato del choque cultural con la Catalunya receptora. La historia expone sin filtros los recelos del sector más burgués o acomodado, el trato al inmigrante como «charnego» y las complejas dinámicas de integración en una sociedad con identidad propia. El incisivo diálogo en catalán que cruzan dos autóctonos mientras observan a las familias recién llegadas —“Aquests són dels bons, que porten els fills per quedar-se...” / “I els fills d'aquests seran més catalanistes que vostè”— condensa con una lucidez pasmosa las tensiones identitarias que terminarían marcando la política autonómica décadas después.

Hay además un detalle tremendo en el guion que resuena con una vigencia demoledora en la España actual: la escena en la que José abandona la pensión. La dueña le confiesa sin pudor que estaba deseando que se marcharan los antiguos inquilinos porque ahora, donde antes alojaba a 2 personas, mete a 4, cobrando mucho más por el hacinamiento. Es imposible no ver aquí lo que sucede actualmente con el acoso inmobiliario, la extinción de las rentas antiguas o la gentrificación voraz que hoy expulsa a los vecinos de sus barrios, convierte las viviendas en pisos turísticos descontrolados e impide a los jóvenes emanciparse o vivir en sus propias ciudades. La codicia especulativa vinculada al boom turístico ya estaba ahí retratada en 1967.

Todo esto viene enmarcado en el contraste visual de las "dos pieles": la piel dorada en la playa por el dinero y el ocio del turismo europeo, frente a la piel quemada por el cemento, la cal y el sol de los obreros que construían los hoteles a pie de playa.

Para lograr este realismo, Josep Maria Forn realizó un rodaje itinerante por los escenarios auténticos donde se producía este fenómeno sociológico. El contraste se consiguió dividiendo la filmación entre el sur agrícola y el norte turístico e industrial:

Guadix y Purullena (Granada): Punto de origen de la familia, donde se grabaron estampas crudas de la vida rural andaluza en las características casas-cueva.

Estación de Benalúa (Granada): Escenario clave de la despedida donde Juana y sus hijos suben al tren para iniciar el éxodo.

Valencia y Barcelona: Ciudades de tránsito y escenarios urbanos para reflejar la dureza del trayecto.

Lloret de Mar (Girona): El destino final y el boom del turismo, rodando directamente en las obras a pie de playa donde los obreros andaluces levantaban la infraestructura hotelera del país.

Para esquivar la censura franquista, Forn disfrazó la trama como si fuera una comedia ligera de ligoteo veraniego en la Costa Brava. La estrategia le sirvió para rodar, pero tras el estreno el régimen castigó la película limitando su distribución y aplicándole una estricta calificación para mayores de 18 años. Como curiosidad, el cartel publicitario de la película fue debidamente censurado para tapar los bikinis de las bañistas, aunque en el metraje final las turistas sí aparecían en bikini. A pesar del tijeretazo, logró la proeza de colar diálogos espontáneos en catalán y la presencia de antiguos combatientes republicanos.

Como anécdota sentimental del rodaje, Josep Maria Forn y la actriz protagonista, Marta May, se enamoraron durante la producción y se casaron al terminar el film, tuvieron 3 hijos y permanecieron juntos hasta el fallecimiento de Forn en octubre de 2021.

A pesar del boicot en las grandes salas por parte de las autoridades de la época, la calidad del film no pasó desapercibida en los círculos especializados. La película cosechó importantes reconocimientos en el ámbito catalán y del periodismo cinematográfico, obteniendo el Premio a la Mejor Película de la Sant Jordi (otorgado por RNE en Catalunya), el premio del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC) a la Mejor Actriz para Marta May, y galardones en el Festival de Cine de San Sebastián dentro de las secciones de información.

La piel quemada. 1967

Dirección: Josep Maria Forn

Reparto: Antonio Iranzo, Marta May, Silvia Solar, Luis Valero, Ángel Lombarte, Carlos Otero, Carlos Ronda, Juan Miguel Solano

Guion: Josep Maria Forn

Fotografía: Ricardo Albiñana (B/N)

Montaje: Luis Puigvert

Música: Federico Martínez Tudó

José (Antonio Iranzo) es un albañil andaluz que trabaja de sol a sol en la construcción en Lloret de Mar (Girona). Mientras aguarda la llegada de los suyos, se deja seducir por el ambiente festivo de la Costa Brava y tiene una aventura con una turista belga (Silvia Solar). Paralelamente, en los barrios-cueva de Guadix (Granada), su esposa Juana (Marta May), sus hijos y su hermano inician un interminable viaje en trenes de tercera clase cruzando una España pobre para reunirse con él.

Antonio Iranzo realiza aquí la mejor interpretación de toda su carrera, dando vida a un obrero rudo pero entrañable. Marta May está soberbia en el papel de Juana, transmitiendo una amargura y una dignidad aplastantes con una simple mirada.

Dónde ver la película:

Actualmente se puede ver en la plataforma de streaming Filmin,

https://www.filmin.es/pelicula/la-piel-quemada

así como en copias disponibles en YouTube y de forma periódica en abierto a través de RTVE Play (dentro del catálogo de Historia de nuestro cine).

Se estreno hace 40 años

Como ya indiqué en la entrada de junio, el verano de 1986 no fue muy interesante en cuanto a estrenos en España, con lo cual voy a volver a poner un estreno de julio de 1976 aunque se trata de una película de 1972, estrenada en Italia en el mes de marzo.

Roma. Federico Fellini. 1972.

Provocación, escandalo, éxito, la historia más reciente de Roma contada desde el particular punto de vista de Fellini. Cuatro años tardo en estrenarse en España, lo que nos da una idea del escándalo que provocaba en nuestros censores y explica en gran éxito que tuvo en su estreno.

Rever: Juan Nadie

Rever: Juan Nadie

La primera vez que vi Juan Nadie. 1941, Meet John Doe, fue en el famoso programa de televisión “La Clave” de José Luis Balbín, en el año 1980, el programa estaba dedicado al escándalo público, parece que no se conserva el programa o al menos no está en la web de RTVE, donde si hay otros muchos programas, he de reconocer que el programa acrecentó mi pasión por el cine. Ya que enlazar un tema de actualidad con una película, era simplemente “o a mi me lo parecía” grandioso.

Una película dirigida por el mítico Frank Capra (el rey del blanco y negro en las décadas de 1930-40) y protagonizada por Gary Cooper y Barbara Stanwyck.

La película tiene 85 años y no puede ser más actual es un fiel reflejo de nuestra sociedad, se denuncia la acumulación de poder, la corrupción política, la manipulación de las masas por los medios de comunicación, la amenaza a la libertades individuales y sociales (referencias a los grupos fascistas que surgían en EEUU), el populismo, qué más podemos pedir.

La crítica fue buena en líneas generales y en taquilla obtuvo excelentes recaudaciones, Capra en su autobiografía dijo: Nuestro film deja perpleja a la gente, pues viene buscando soluciones y nosotros les decimos no hay solución, todo vuelve al principio.

Para profundizar en la historia de la película, tenéis un maravilloso programa dedicado a la misma de José Luis Garci en RTVE, Que grande es el cine, emitido el 27/09/1999.

https://www.rtve.es/play/videos/que-grande-es-el-cine/juan-nadie-frank-capra-27-09-1999/6317680/

https://www.youtube.com/watch?v=uh14nkJ20wM

Un poderoso magnate compra un periódico y despide a casi todos los antiguos periodistas que trabajaban allí. Ann Mitchell (Barbara Stanwyck) es una inteligente redactora, una de las personas despedidas, que antes de marchar está dispuesta a denunciar la situación publicando una carta falsa, supuestamente escrita por Juan Nadie, un extrabajador de la empresa que amenaza con suicidarse en Nochebuena en señal de protesta por los males de la sociedad. Rápidamente, la falsa carta conmociona a la ciudad y ante la sospecha de fraude, el periódico contrata a un hombre para que preste su imagen y se haga pasar por Juan Nadie (Gary Cooper). Ann escribe sus discursos y lo que empieza siendo un gancho publicitario, terminará escapándose de las manos.

La historia se basaba en un texto original de Richard Connellm el definitivo guion fue obra de Robert Riskin, colaborador habitual de Capra.

La producción fue el primer proyecto de una compañía independiente, fundada por Frank Capra y Robert Riskin, jugándose su propio dinero, lo que suscito muchísima expectación, la película rompía la reputación de Capra de hacer películas exageradamente optimistas, dejaba atrás los personajes honestos enfrentados a políticos o banqueros y el “Juan Nadie” está dispuesto a todo para salir adelante.

En los Oscar solo acudió con la nominación (si premio) al mejor guion, poco resultado para el cinco veces nominado mejor director y tres veces ganador (1935, 1937 y 1939) Frank Capra.

La película trata de remover la conciencia humana y está cargada de una gran crítica social, aunque no está exenta de momentos ingeniosos, como este en que “el Coronel” Walter Brennan relativiza la importancia del dinero:

https://youtu.be/3FJQRY7ZNUs

o los que reivindican la movilización ciudadana frente a los manejos de los políticos sin escrúpulos, aunque aquí el doblaje no es demasiado bueno.

https://youtu.be/dTcZ_kqJ9SA

Juan Nadie. 1941, Meet John Doe.

Dirección: Frank Capra

Reparto: Barbara Stanwyck, Gary Cooper, Doran, James Gleason, Walter Brennan, Gene Lockhart, Regis Toomey, Edward Arnold,

Guión: Robert Riskin

Fotografia: George Barnes

Montaje: Daniel Mandell

Música: Dimitri Tiomkin

La película podéis verla en:

Ingles subtitulada en castellano:

https://www.youtube.com/watch?v=kO9uF1VRsuY

https://www.filmin.es/pelicula/juan-nadie

Doblada en castellano

https://youtu.be/MQyzhZsCXUQ?si=S8LltSrxCDc1D_Uc

Rever: Bus Stop

La película que os propongo hoy es Bus-stop de Joshua Logan. Una película de 1956. Aprovechando que celebramos el centenario del nacimiento de Marily Monroe os propongo rever la película que ella misma considero su proyecto decisivo, participo en la producción con su empresa Marilyn Monroe Productions. La critica del momento considero el trabajo de Marilyn como excelente.

Maravillosa tragicomedia (basada en la obra teatral de William Inge) muy bien escrita, dirigida e interpretada, sobre todo por Marilyn Monroe y Don Murray. Nominada al Oscar a mejor actor secundario (Don Murray) y 2 Globos de Oro (comedia o musical, actriz de comedia o musical). Muy recomendable.

La película fue titulada Nunca fui santa en Hispanoamérica. Este cambio se debe a motivos de distribución y marketing, ya que los estudios buscaban un título más melodramático o sugerente en español para destacar la naturaleza del personaje interpretado por Marilyn Monroe, Cherie, una cantante de cabaret con un pasado humilde y nocturno

Bus-Stop, 1956,

Dirección: Joshua Logan

Reparto: Marilyn Monroe, James O'Rear, Jack Martin, Helen Mayon, David McMahon, Del Moore, Phil J Munch

Guion: George Axelrod, Basado en la obra teatral homónima de William Inge estrenada el año 1955.

Música: Cyril J Mockridge, Milton R. Krasner

Fotografía: Milton R. Krasner

Bo Decker es un atractivo y algo ingenuo vaquero que decide participar en un famoso rodeo de Phoenix. Cuando llega allí, conoce a la cantante de un café, Cherie, y se enamora perdidamente de ella. Bo da por sentado que ella lo abandonará todo por él y cuando descubre que ella intenta huir hacia Los Ángeles, la obliga a subir con él a un autobús rumbo a Montana. En el camino, a pesar de los obstáculos y de la resistencia de Cherie, Bo hará todo lo posible por demostrarle su amor.

Don Murray ("Tempestad sobre Washington", "Peggy Sue se casó") da vida a un salvaje 'cowboy' que viaja por primera vez a una gran ciudad y Marilyn Monroe tiene una de sus primeras grandes ocasiones de demostrar su talento para la comedia. El personaje de Cherie es el de una cabaretera con pretensiones de convertirse en actriz de Hollywood, hacia donde se dirigía antes de ser secuestrada por Bo.

La película puede visionare en Movistar.

Se estreno hace 40 años

Cinematográficamente el verano de 1986 no fue muy interesante en cuanto a estrenos en España, con lo cual voy a volver a poner un estreno de junio de 1976 y para julio uno de 1972, que en España no se pudo ver hasta julio de 1976, dos 50 aniversarios que merecen la pena ser recordados.

Nashville. Robert Altman 1975.

Sin duda la mejor película de Robert Altman, un excelente retrato de la sociedad americana de la época en modo satírico y a la música country (algunos iconos de este tipo de música perpetúan una América tradicional y conservadora a ultranza)

Uno de los rasgos que más se comentó de la película es que contaba con 24 protagonistas, un film coral sin personajes que dominarán la narración, y con una cantidad de historias que se entremezclarán entre sí de una forma caótica.

Muchas cosas suceden al mismo tiempo, el discurso del político de fondo mientras sucede otras historias, las canciones country que suenan mientras los protagonistas hablan, incluso escenas que trascurren, mientras prestamos atención a la escena principal y que tenemos en primer término.

Cada vez que la visionemos veremos un detalle nuevo.

Rever: Mi Querida Señorita

La película que os propongo hoy es Mi Querida Señorita de Jaime de Armiñan. Una película de 1972. Aprovechando que hemos tenido en el mes de abril la película homónima de Fernando G. Molina en cines y desde el 1 de mayo en Netflix. Os propongo visionar su antecesora.

La película explora la intersexualidad y la identidad de género.

El largometraje original dirigido por Jaime de Armiñán y protagonizado por José Luis López Vázquez fue un hito histórico (llegando a ser nominado al Óscar). Se abordaba la historia desde las limitaciones narrativas y la estricta censura de la época tardofranquista.

La película está escrita por Jaime de Armiñán y José Luis Borau, y son continuos los matices simbólicos ya que tuvo que sortear una estricta censura nacional-católica. Esto obligó a sus creadores a escribir hasta cinco versiones del guion y a utilizar metáforas tan sutiles que abrieron la puerta a múltiples lecturas.

En términos estrictamente médicos y argumentales, la película presenta un caso de intersexualidad (lo que en la época se denominaba erróneamente hermafroditismo), Adela fue asignada como mujer al nacer y socializada como tal en una rígida sociedad de provincias. Solterona, reprimida, dedicada a la Iglesia, cosiendo y confinada al espacio doméstico y que todo era el producto de su físico poco agraciado. Cuando Adela transiciona y se convierte en Juan, tiene que mudarse a Madrid y aprender a "ser un hombre" desde cero. Esta transformación demuestra de forma pionera que el género funciona en gran medida como un rol social aprendido y performativo, más que como algo puramente natural.

Una obra transgresora y adelantada a la mentalidad de la época.

La interpretación de José Luis López Vázquez es magistral en un papel muy difícil, muy dramático y que requiere amplios registros y cualidades como actor. López Vázquez consigue encarnar a Adela de forma absolutamente creíble, el producto de un actor superlativo, con escenas míticas del cine español, cuando vemos a López Vázquez mujer afeitándose (podéis comparar la escena con Tootsie, 1982) o la escena final y que cierra la película cuando López Vázquez (Juan), estando en la cama con Julieta Serrano (Isabelita) le dice: “Algún día te contaré una cosa muy importante"; y ella responde: “Qué me va a usted a contar señorita”, tiene un aire a esa frase final de "Con faldas y a lo loco".

Mi querida señorita hizo historia al conseguir la nominación al Óscar a la Mejor Película de Habla Extranjera (actualmente Mejor Película Internacional) en la 45.ª edición de los premios, celebrada en 1973. Aunque finalmente el galardón se lo llevó el director Luis Buñuel por la producción francesa El discreto encanto de la burguesía, la sola nominación de esta obra española supuso un hito internacional sin precedentes para la época.

Contra todo pronóstico para una película de temática tan arriesgada, se convirtió en la película española más taquillera de 1972. Atrajo a las salas de cine a más de 1,8 millones de espectadores, un éxito de masas rotundo en la España de la época.

José Luis López Vázquez recibió varios galardones:

• Hugo de Plata al Mejor Actor: Otorgado en el Festival Internacional de Cine de Chicago de 1972.
• Medalla del CEC al Mejor Actor Principal: Concedida por el Círculo de Escritores Cinematográficos en su 27.ª edición, el premio de la crítica más respetado en España en esa época.
• Premio Sant Jordi a la Mejor Interpretación: Otorgado en la edición de 1973 por la crítica de Cataluña, reconociendo su labor como el trabajo actoral más destacado del año cinematográfico

Mi Querida Señorita, 1972,

Dirección: Jaime de Armiñan

Reparto: José Luis López Vázquez Julieta Serrano, Antonio Ferrandis, Lola Gaos, Chus Lampreave, Enrique Ávila, Cristina Suriani, Mónica Randall, Manolo Otero, José Luis Borau y un peculiar cameo de Verónica Forqué.

Guion: Jaime de Armiñan y José Luis Borau

Montaje: Ana Romero Marchent

Música: Rafael Ferro

Fotografía: Luis Cuadrado

Adela Castro, una madura solterona de 43 años que vive en una ciudad provinciana, sabe que no es una mujer normal: se afeita todos los días y se siente atraída por su criada Isabelita. Se ha pasado la vida creyendo que se ha quedado soltera por ser poco agraciada físicamente. Tras una propuesta de matrimonio y previa consulta al párroco, decide ir a la consulta de un médico.

La película puede visionare en Movistar, Amazon Prime y Netflix.